Reflexiones sobre la fotografía y lo fotográfico //

El siguiente ensayo está escrito al hilo del texto de Geoffrey Batchen “Ectoplasm: Photography in the digital Age” incluído en el libro Over exposed, Essays on contemporary Photograph editado por Carol Squiers

 

LA TECNOIMAGEN O ¿POR QUÉ NO ESTARÍA MUERTA EPISTEMOLÓGICAMENTE LA FOTOGRAFÍA?

Fotograma de la película “El hombre de la cámara” de Dziga Vertov (1929)

Desde su nacimiento -y tal vez como ironía- lo fotográfico estuvo obligado a convivir con el concepto de muerte. Al ofrecer una manera supuestamente más objetiva y veraz de acceder a lo real, ha sido señalado como el más evidente asesino de la pintura. Absorbido por la dinámica del mercado, la popularización del retrato fotográfico exigió a sus fotografiados que se acercaran a una experiencia de micro-muerte, ya que el “exceso de vida” suponía un problema técnico: el movimiento natural del cuerpo humano, en relación al tiempo largo de exposición que necesitaban los primeros aparatos, producía indeseables imágenes borrosas y fantasmagóricas. Para eternizarse vivo, uno debería actuar como muerto. Por otro lado, abundan los registros de muertos como muertos, es decir, fotografías que permitían que aquellos que se fueron, de alguna manera, siguieran entre los vivos. En el campo teórico, Roland Barthes le otorga el don de sobrevivir a la propia muerte, a la vez que la clasifica como recordatorio de la mortalidad humana. Sobre la naturaleza indéxica de la imagen fotográfica – referente, que (d)enuncia que la cosa fotografiada estuvo ahí – encuentra la especificidad de esta tipología de imagen en medio de otras tantas formas de producción visual.

 

Sin embargo, frente a las posibilidades ofrecidas por los medios contemporáneos de producir imágenes sin este referente, ¿sigue siendo posible hablar de fotografía? ¿No sería ésta la hora de anunciar su muerte? Lejos de contribuir a una visión catastrófica de los medios, que a menudo se comprueban demasiado simplistas, coincidimos con Geoffrey Batchen que, en “Ectoplasm: Photography en Digital Age”, opta por abordar el momento actual de lo fotográfico a través de la idea de “crisis”.

 

La irrupción de la fotografía digital parece que nos empuja a replantearnos conceptos clave como la representación o el realismo. ¿Pero existe realmente un cambio de paradigma radical entre la fotografía tradicional y la digital? La respuesta no parece clara. Para Manovich, en su texto “The Paradoxes of Digital Photography”, la lógica de la imagen digital es paradójica: parece destruir la fotografía mientras que refuerza lo fotográfico. De esta manera nos hallaríamos en el terreno de lo que se ha llamado la fotografía después de la fotografía, o incluso de la postfotografía. Pero, ¿cómo es posible hablar de lo fotográfico sin referirnos a la fotografía?

 

Las nuevas tecnologías basadas en la computación permiten no solo retocar y modificar fotografías, sino también crear imágenes desde la nada, usando código informático. Las imágenes resultantes son indistinguibles en aspecto y calidad de las fotografías tradicionales, pero la principal diferencia es que mientras que la fotografía reivindica cierta objetividad -algo así como ser un medio de mostración de la realidad- la imagen digital es el resultado de un proceso ficcional, mucho más cercano a la acción creativa del arte que a los valores documentales. Esta imagen digital busca causar una sensación realista, de credibilidad, de fascinación ilusoria. Tomamos la fotografía como la verdad visual y por ello lo fotográfico se convierte en lo más apropiado para generar el pacto de ilusión, el acuerdo cultural entre emisor y receptor en el cual se establece la credibilidad de la representación. Para generar esto, nos basamos en las construcciones propias del modo de uso de lo fotográfico. ¿Por qué? En la cultura moderna hay una fuerte convicción de tomar la visión fotográfica como objetiva o realista. Pongamos el ejemplo de los efectos especiales generados por ordenador en el mundo del cine. Se tiende siempre a envestir de cualidades fotográficas a las imágenes digitales: profundidad de campo, incidencia de la luz, etc. Esto quiere decir que seguimos usando la lógica fotográfica a la hora de producir y recibir imágenes digitales. La ilusión de realidad se sigue buscando en el realismo fotográfico.

 

Pero la fotografía misma nace con la idea de manipulación. Manipulación de la luz, privilegiar ese fragmento del mundo que es el encuadre o transformar las tres dimensiones en dos, es ya una forma de adulterar la realidad. Es nuestro pensamiento el que crea la posibilidad tecnológica, pero éste a su vez se ve influenciado por ella. La fotografía, como una tecnología, influye en nuestra forma de percibir la realidad, no solo mostrándonos imágenes que pueden ser falsas, sino educando nuestra manera de mirar y conceptualizar la existencia. Por ejemplo, presentando el tiempo como una secuencia lineal de momentos interrelacionados.

 

De acuerdo con Roland Barthes en La cámara Lúcida, el carácter real de la fotografía no tendría tanto que ver con la apariencia -que la imagen sea fiel al modelo representado-, como con la presencia -que haya existido ese modelo, en un espacio y un tiempo determinado-. En este orden de ideas, la realidad puede haber sido transcrita, ensalzada o manipulada en la fotografía, pero ésta no desata ninguna duda acerca de la existencia de esa realidad. Mientras que Susan Sontag describía la fotografía como “something directly stenciled off the real”, la tecnología de la computación permite crear imágenes que no tienen un referente directo en la realidad, pero que sí guardan una similitud con el aspecto de la fotografía. Según Batchen las imágenes digitales no son signo de la realidad, sino signo de un signo, son una representación de lo que ya se percibe como una serie de representaciones. Una copia de una copia. Cuando se defiende a la fotografía de la incursión de lo digital, no es tanto la fotografía lo que se intenta defender, sino la propia existencia de lo real.

 

Aquí se sitúa el debate de cómo distinguir lo real de lo falso, como saber cuándo una fotografía está mostrando una imagen verdadera de una que no lo es, pero más allá de este debate existe otro de una radicalidad mayor que cuestiona la posibilidad de existencia de un mundo real. Naturaleza / cultura, humano / máquina, realidad / representación, muchos pares de conceptos sobre los que descansa nuestra forma de ver el mundo parecen estar entrando en crisis en un momento en el que parece que nos encaminamos a vivir en una gran naturaleza artificial.

 

Así pues, la fotografía no estaría muerta pistemológicamente porque su uso cultural no habría cambiado. Las técnicas de manipulación digital, que parecía que iban a crear una brecha entre la fotografía analógica y su veracidad con respecto al carácter ficticio de lo digital, han mostrado que desde su génesis la fotografía se ha basado en la idea de manipulación y que no existe una objetividad latente en el medio fotográfico. Y sin embargo seguimos fuertemente atados a su poder de seducción de lo real, como si lo fotográfico, su sistema y su código, fueran la única vía para generar cualidades ilusorias efectivas. ¿Seguirá siendo así en el futuro?

 

Evidentemente, estas rupturas y continuidades que experimentamos en relación a lo fotográfico también suponen un cambio que va más allá de la dimensión productiva; por un lado respecto a la producción de imágenes digitales sin referente, y por otro, en cómo afectan a la configuración de un nuevo espectador. Vilém Flusser en “Images in New Media” se refiere al estatuto de las imágenes en la era postindustrial también desde la dimensión de la recepción. Una revolución cultural estaría en curso: como usuarios de “disembodied surfaces” nos convertimos en espectadores inmuebles. Sobre estas superficies se imprimen y transitan imágenes que pueden convertirnos en diseñadores de significados: significados políticos, epistemológicos y estéticos. Los nuevos medios, a partir de la capacidad de proponer nuevos procesos participativos, enfrentan un posible e importante desafío: ¿cómo se piensa con imágenes? ¿cómo construir la crítica de imágenes a través de imágenes? ¿cómo derrotar la opacidad de los medios para disfrutar plenamente de su potencial democrático? Tras la profunda crisis del individuo moderno y sus valores culturales, ¿será posible convencernos de otro tipo de realidad visual más allá de los preceptos de lo fotográfico? Quizás nos estemos encaminando a lo que sería una nueva mirada, una visión cyborg, basado en los nuevos planteamientos surgidos de la relación con los nuevos medios digitales y sus propiedades.

Miguel Juristo, Yuji Kawasima y Eva Parra

Este texto está disponible en formato PDF: La tecnoimagen
El artículo  de Geoffrey Batchen “Ectoplasm: Photography in the digital Age” se puede encontrar aquí.

Encuentro con Toni Negri en la Universidad Nacional de Colombia //

 

A partir de mañana, Lunes 19 de Noviembre de 2012, Toni Negri estará en la sede de Bogotá de la Universidad Nacional de Colombia como protagonista de un encuentro organizado para tratar los temas centrales de su pensamiento. Las relaciones entre Marx y Spinoza, la idea de multitud e imperio, la herencia de Maquiavelo y la idea de comunidad frente a lo público y lo privado.

El encuentro se repartirá en tres sesiones de entrada libre los días 19, 20 y 21 de Noviembre:

Spinoza y Marx: Un Diálogo Contemporáneo
19 de Noviembre
10:30 a.m. a 1:00 p.m.
Auditorio Virginia Gutiérrez – Edificio de Posgrados de Ciencias Humanas UN

La multitud en América Latina
20 de Noviembre
10:30 a.m. a 1:00 p.m
Auditorio Central – Facultad de Ciencias Económicas UN

Lo Común: Más Allá de lo Público
21 de Noviembre
6:00 p.m. a 8:00 p.m
Auditorio León de Greiff – UN

 

Recomendamos el siguiente video encontrado en la red donde Toni negri responde a dos preguntas, la primera sobre el concepto de “lo común”, en el seminario que se realizó en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, España, con motivo de la presentación del documental de Angela Melitopoulos “The Cell. Antonio Negri y la prisión”.

 

Preguntas a Toni Negri en el MNCARS de Madrid (subtitulado) from tgalvez on Vimeo.

 

 

Un mes del fallecimiento de Edgar Negret //

Edgar Negret por Hernán Díaz. Fotografía cortesía de Rafael Moure. © Todos los derechos reservados Hernán Díaz.

 

Hace un mes que falleció Edgar Negret, “el artista del lenguaje nuevo”, como a él se refirió Marta Traba.

Este artista dedicó la mayor parte de su vida a la escultura, fuertemente influenciado por su relación con el español Jorge Oteiza que lo introdujo en el mundo de la escultura moderna.

Sus esculturas se han expuesto en múltiples latitudes de América y Europa, algunas se encuentran hoy en lugares públicos como parques y jardines, pero también en instituciones como su Casa Museo de Popayán, el Museo de Arte Moderno de Bogotá y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. Algunas de las obras de Edgar Negret que forman parte de la colección de la Fundación Arte Vivo Otero Herrera se pueden ver aquí.

 

A continuación se puede ver una entrevista que concedió en el año 1987 con motivo de la exposición retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Bogotá organizó para conmemorar sus 50 años de trabajo.

 

El texto en el que Marta Traba se refiere al “nuevo lenguaje” de Edgar Negret se puede encontrar aquí junto con otros textos de la escritora sobre diversos artistas.

Perder la forma humana //

Desde ayer, y hasta el 11 de Marzo de 2013, se puede visitar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España, La exposición “Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años 80 en Latinoamérica”

Perder la forma humana remite a la violencia física ejercida por los regímenes dictatoriales, los estados de sitio, las guerras encubiertas en América Latina, pero también a los movimientos que surgieron con voluntades de nuevas organizaciones, subjetividades y modelos de vida, formas de activismo con el propio cuerpo.

La exposición es el resultado de un trabajo de investigación en curso que coordina la Red de Conceptualismos del Sur. El periodo de tiempo en el que se centra es el comprendido entre el año del golpe de estado de Pinochet en Chile, 1973, hasta el surgimiento del Zapatismo en México en 1994.

Paralelamente la muestra ha reunido a algunos de los protagonistas de la escena urbana de los 80, activistas, pensadores y artistas para conversar sobre los años 80 en América Latina, esos encuentros se pueden seguir en directo y diferido en livestream.com/museoreinasofia

 

Día del Libro //

Hoy es el Día Internacional del Libro, y en la oficina de la FAV hemos preguntado ¿Qué estás leyendo ahora?

Camilo: – “Acabo de recibir el catálogo de la exposición La Caballería Roja de La Casa Encendida, Disfruté mucho la exposición y estoy encontrando muy interesante los ensayos sobre el proceso creativo en la Rusia Soviética”

 

Eva: – “Ahora mismo estoy leyendo ‘El Artesano’ de Richard Sennet. Es un ensayo pensado como la primera parte de una trilogía sobre “cultura material”, éste versa sobre la artesanía, hacer las cosas bien por el mero placer de hacerlas. Sennet tiene una sensibilidad brillante, especialmente lúcida cuando piensa cuestiones  actuales y cotidianas”.

 

Olga: – “Esta semana empecé a releer ‘Rayuela’ porque en la FAV estamos trabajando en un proyecto en colaboración con el Grabador y Artista Miguel Carini, que tiene como tema principal esta obra de Julio Cortázar”.

 

Alberto: – “Llevaba tiempo queriendo leer ‘El Jugador’ porque me interesa mucho cualquier reflexión sobre la naturaleza lúdica del ser humano, y sobre todo porque Dostoievski es un indispensable al tratar cuestiones de los sentimientos y el comportamiento de los hombres”

 

¿Y tú? ¿Qué estás leyendo ahora? Si todavía hoy no te han regalado un libro nosotros te dejamos los dos primeros capítulos de Memoria por Correspondencia, el epistolario de Emma Reyes que hemos publicado en colaboración con Laguna Libros.

Memoria por correspondencia //

 

Emma Reyes, Memoria por correspondencia (Laguna 2012)

Esta semana la Fundación Arte Vivo Otero Herrera (FAVOH) y Laguna libros presentan en coedición el libro de la artista colombiana Emma Reyes Memoria por Correspondencia en la 25 Feria Internacional del Libro de Bogotá. Este volumen recoge veintitrés cartas que escribió la autora a su amigo y confidente Germán Arciniegas a lo largo de varios años y en ellas narra desde sus primeros recuerdos de infancia hasta que abandona el convento donde pasa varios años. Estas cartas que escribe Reyes por insinuación del propio Arciniegas, con el que mantuvo una estrecha amistad desde que se conocieron en el año1948, ponen sobre papel los relatos de infancia que tantas veces contó y fascinó a sus amigos más cercanos. Para la Fundación esta publicación supone un trabajo muy importante de recuperación de la memoria dentro del proyecto de conformación del archivo documental de la artista.

Emma Reyes por Lola A. Bravo, México c.1952

La FAVOH lleva trabajando desde el año 1999 en la consolidación del acervo pictórico y documental de la pintora, a través del registro y catalogación de más de 300 obras y más de 3000 documentos entre catálogos de todas las exposiciones colectivas e individuales que realizó, correspondencia con amigos, familiares, artistas y otras personalidades, crítica en prensa y otros medios así como un importante compendio fotográfico personal y profesional. Memoria por correspondencia aparece fruto de este trabajo de investigación y supone un testimonio único de la primera etapa de la vida de la pintora que documentalmente hasta ahora era prácticamente desconocida. Gracias a la generosidad de la Fundación Germán Arciniegas,  estos documentos que hasta hoy permanecía privados, nos ofrecen otro aspecto –íntimo-  de la pintora bogotana.

Pincha en la carta para leer los dos primeros capítulos de Memoria por correspondencia.

El taller de Cesar García, “Coco” //

Hace poco estuvimos visitando el taller del dibujante y grabador colombiano Cesar García (Pereira, Colombia 1967) también conocido como Coco. Un apartamento amable y luminoso, con un patio interior que arroja luz sobre su pequeño estudio, al noroeste de Cali.

 

 

Allí trabaja, lee y elucubra el artista sin descanso. Lector ávido de filósofos y poetas, trabajador constante en su empeño por acumular, organizar, clasificar, listar, apilar o reunir – sobre papel principalmente pero también sobre tela- los objetos y las actitudes aparentemente nimios, que lo rodean o que conforman su vida. Porque para García, como para Georges Perec (autor del que me habló con gran entusiasmo), la vida es lo que sucede entre los grandes titulares, en los resquicios de las grandes noticias.

Estudió y trabajó durante varios años al lado del maestro Omar Rayo, en el Museo en Roldanillo, y ha participado en numerosas muestras individuales así como colectivas tanto en Colombia como en EE. UU y Europa.

En su trabajo diario Coco va dibujando “registrando” (para decirlo con sus propias palabras), uno tras otro, elementos aparentemente sin importancia, que nos pasan desapercibidos, que apenas nos dicen nada. “Registro luego existo” dice mientras poco a poco va sacando un importante número de obras, casi todas de pequeño o mediano formato, pulcras, minuciosas, que atienden al carácter meticuloso y entregado del artista. Acumulaciones es la obra, mejor dicho el proyecto, que lleva haciendo desde el año 2008. Tarjetas de cartulina de formato 17cm x 12cm en las que dibuja un elemento, desde un lápiz, un tubo de pintura, un borrador, unas tijeras, un clip, hasta un muñeco de trapo, un candelabro o una bisagra, en fin, cualquier cosa que aparezca por su estudio. Estos dibujos van acompañados de un pequeño texto en la parte inferior, casi como una nota al pie o un pie de foto, en la que registra fecha, la hora y algún titular de una noticia de aquel día.

 

Como si de dejar testimonio del momento vivido se tratara, para que en un tiempo remoto la gente viera qué cosas rodeaban, conformaban la cotidianeidad de una persona de nuestro tiempo. García es pues una mezcla de antropólogo, coleccionista y taxonomista, es un inventor de formatos y sistemas en los que almacenar -como dice él-  Los días que nos quedan. Bajo este título ha sistematizado su trabajo y en él cabe el registro textual diario de lo que observa desde la ventana, así como ese estudio exhaustivo de un personaje que, repetido incontables veces, ha pasado de sentarse a acostarse en el sofá – solo y acompañado -  y de ahí al suelo, ensayando cientos de posturas, con leves giros, contorsiones, y movimientos, un personaje en el puro ejercicio de ser. Estas Existencias y Rutinas son la impronta de una actitud, de un silencio privado, de una condición humana a veces melancólica en su propia soledad.  Este personaje ensayado sobre el papel, casi como un ejercicio de catarsis,  puede recordarnos a veces a aquellos dibujos de Henry Moore en los que testimoniaba la angustia y desolación de los refugiados del metro de Londres en la guerra. Cuando nos mostró su personaje acostado, varón de rostro desdibujado, desnudo o semidesnudo, dijo que una de las obras que más lo había marcado y que había influido en el hecho de que el personaje comenzara a aparecer tendido, era El cuerpo muerto de cristo en el sepulcro, de Hans Holbein El Joven, que se encuentra en el Kunstmuseum Basel, en Suiza. Como en la pintura de Holbein el personaje de García reposa en una especie de letargo y aunque vivo, pareciera una especie de letargo moribundo.

 

Para la exposición de “Los días que nos quedan” en el Centro Cultural Comfandi de Cali, Adriana María Ríos, Profesora e historiadora de arte, escribió realizó la siguiente entrevista y texto.

 

 

Taller REC; Recicla, Edita, Crea //

La Editorial Ultramarina, cartonera y digital viene a Málaga para una nueva edición de sus talleres REC, recicla, edita, crea el próximo 3 de Marzo en la Casa Invisible.

Si no tuviste la suerte de conocer a Iván Vergara, el director de la editorial, y ver en directo la presentación de sus ediciones cartoneras en 5 Echegaray puedes ver que aspecto tienen aquí.

¿En qué consiste el taller REC?

Reciclarás y editarás con tus propias manos 10 ejemplares cartoneros que te llevarás a casa. Estos libros contendrán tus propios textos y los del resto de participantes y formarán parte de las antologías mensuales de la Colección REC de la Editorial Ultramarina. Estos volúmenes se distribuirán también en formato e-book a través de la web y redes sociales de la editorial.

Después del taller podrás invitar a tus amigos y familiares a un recital donde los participantes podrán presentar sus creaciones y leer sus textos.

Lugar: La Casa Invisible (Calle Nosquera, 11, Málaga)
Fecha del taller: Sábado 3 de Marzo 2012
Horario: Taller de edición 17 – 21pm. Presentación/Recital 21 pm
Duración: Sesión intensiva de cuatro horas, más presentación/recital.
Inversión: El costo del curso es de 50€.

La inscripción al curso incluye:

Material para hacer portadas cartoneras (lápiz, regla, cartón, silicona, gomilla)

Diez ejemplares. Diez librillos (impresos por imprenta digital, cocidos) de la antología correspondiente al curso. Incluirán los textos que nos hagas llegar junto al de los demás participantes. La maquetación corre a cargo también de la editorial ¿ya has visto lo que hace la editorial Ultramarina con sus títulos?

Material para ilustrar las portadas

Libro digital. Se enviará a cada participante un libro digital con la publicación, pudiendo descargarse gratuitamente desde la web de Editorial Ultramarina.

Material Visual. Se realizará un video sobre la realización del taller y del recital. Podrá verse a través de Internet.

 

¿Cómo participar?

1. Ingresa mediante transferencia bancaria el coste íntegro del taller.

2. Incluye en el concepto el nombre de la persona que cursará el taller.

3. Envíanos un mensaje a info@favoh.org o llama al 622 150 482 para avisar sobre el pago.

4. En el mismo correo envíanos los textos que vayas a querer ver maquetados con las siguientes características:

4.1  El documento debe enviarse hasta 15 días antes del curso, es decir, antes del 18 de Febrero, en un archivo Word, Fuente: Arial, 12pts. Hasta un límite de 9 páginas de texto (relatos, poemas, fragmento de novela, ensayo), incluye en este archivo lo que quieras editar.

4.2  En el mismo archivo, incluye una biografía tuya, de no más de un folio.

4.3  Envíanos una foto tuya reciente, se editará a una sola tinta, así que no nos envíes una foto demasiado oscura.

5. Preséntate puntualmente en la sede y fecha de la convocatoria.

6.Disfruta la experiencia de reciclado, edición y creación.

 

¿Cuánto cuesta, cómo pagar?

Coste del taller: 50€
Deposito: A la siguiente cuenta:
Banco: BBVA
Titular: Ivan Vergara García
Número de cuenta: 0182 0404 11 0291504623
Concepto: (No olvides escribir el nombre de quien recibirá el taller)

Datos de contacto.
Correo: info@favoh.org
Teléfono: 622 150 482
Responsables: Camilo Otero y Eva Parra

 

Puedes bajarte la convocatoria completa aquí.